Le skate art ou l’art sur skate est un nouveau mouvement artistique contemporain. Tout comme le street art s’est popularisé et imposé, de la rue aux salles de vente puis aux musées, le skate art fait de même!
La planche de skate est utilisée comme un support libre et noble, qui impose la contrainte de la forme. Il devient à la fois une toile sur laquelle les artistes bombent, peignent ou gravent. Il est une structure pour créer du mobilier design ou une matière pour créer des sculptures ou objets comme le fait Haroshi. Le support est parfois découpé, déformé, maltraité ou consiste à recycler de vieilles planches cassées.
La passion autour de la culture skate de ces dernières années, en fait un support d’art prisé et qui donne une dimension nouvelle à l’oeuvre réalisée dessus.
L’histoire du skate art
De 1950 à 1970 | Bois brut et logos
Au tout début du skateboard, dans les années 1950, la planche était un simple morceau de bois brut, fait à la main. Elle n’abordait aucune illustration ou motif. Au même titre que les premiers surfs, la question de mettre en avant sa marque ou de donner une dimension artistique au support ne se pose pas encore.
Le tout premier motif arrive avec le « Roller Derby Skate Board » en 1960 (sans le #10, qui sera utilisé plus tard, lorsque la marque fera différents modèles). C’est donc la marque Roller Derby qui produit les premiers skateboards de manière industrielle et en profite pour sérigraphier sur le dessus de la planche (là où l’on mettra ensuite du grip). Le premier motif est donc un logo pour bien identifier la marque.
A partir de 1970, d’autres marques se créent tels que Sims, Dogtown ou Powell Peralta. Ses marques suivent le même modèle que Roller Derby et se contentent encore de seulement apposer leurs logos (qui est seulement un travail de typographie à l’époque). Le logo commence cependant à apparaître aussi sous la planche, à l’emplacement plus « classique ».
De 1980 à 1990 | L’avènement du Skate Art
C’est en 1980 que les premières illustrations se dessinent sous les boards. Jim Phillips, Vernon Courtland Johnson ou encore Wes Humpston commencent à faire des graphismes sur les planches à roulettes. A l’époque, les graphismes sont particulièrement inspirés de la culture punk rock / skate punk. Il est de rigueur d’utiliser beaucoup de tête de mort, de pentacle ou tout autre symbole de cette culture.
D’un autre côté, l’autre tendance des skate graphics (ou graphismes de skate) est la création de monstres fantastiques comme le dragon de la board Caballero de Powell Peralta ou bien sordides et fans de hot rod, comme les dessins de Jim Phillips, fondés sur les graphismes de Ed Roth.
De 1990 à 2000 | Son évolution controversée
Début 90, Marc McKee fait des graphismes avec un style très cartoon pour World Industries, 101 et Blind. L’idée est de jouer à fond sur la provoque! Il créé des séries ultra controversées, sans aucune limite. Rodney Mullen disait : « L’art de Marc McKee était si controversé qu’ils avaient un mur entier d’ordonnances d’interdiction de ses graphiques du monde entier … »
A cette période, il n’y a ni règle, ni censure. Les skateurs pro travaillaient de plus en plus main dans la main pour la création de ces skate graphics et proposaient des idées très farfelues!
Le support de la planche de skate prend sur cette décennie, une nouvelle dimension. Il devient un vrai moyen d’expression et de communication.
De 2000 à maintenant | Une vraie diversification
Le skateboard continue à bien se développer. De plus en plus de marques naissent et se créent une image et une esthétique qui leur est bien propre. Des marques comme World Industries et Blind restent bien encrées dans le style cartoon. Element et Habitat se démarquent par leur côté environnemental. Zero, Mystery ou Darkstar ont des graphismes plus sombres, liés à la culture tatouage/punk et les marques Girl ou Cliché préfèrent des planches plus arty et fun.
Le processus de création d’une planche devient de plus en plus simple. Avant, il fallait plusieurs mois pour créer un modèle. Il n’en faut désormais plus qu’un. Il est dès lors plus simple de créer sa marque et la faire connaître notamment par Internet. On connait alors un essor de petites marques locales. Les skateshops réalisent leurs propres planches et graphismes.
C’est à cette période que l’on commence à ne plus seulement parler de skate graphics mais à sortir du cadre et parler de skate art. Des artistes se réapproprient ce support, en le découpant, le taillant ou en le sortant complètement de sa forme d’origine. Haroshi commence dès 2005 à réaliser ses sculptures extraordinaires à partir de skateboards recyclés.
De nouvelles technologies comme que la gravure laser font leur apparition pour le plus grand plaisir des artistes et des marques. Il est possible de découper en série le bois avec une précision millimétrée pour donner un rendu très propre. Le studio de design Magnetic Kitchen est le premier à populariser la gravure laser en réalisant 17 graphismes de boards.
Les différents « types » de Skate Art
Le but ici est vulgariser les manières de créer de l’art autour de la thématique de la planche de skate. Cette présentation est lacunaire, et je vous invite à commenter où m’écrire si vous avez des observations ou autres à me donner. Je serai vraiment ravi d’échanger à ce sujet !
Il est possible de segmenter le Skate Art de la manière suivante :
TRAVAIL DE GRAPHISME
- Graphisme par gravure laser ou pyrogravue
- Dessin graphique
- Travail de typographie
- Triptyque
TRAVAIL DE DÉTOURNEMENT
- Création de la forme du skate avec une autre matière
- Création d’une forme de skate originale
- Utilisation du bois de skate pour la création de mobilier ou oeuvres
- Détournement du skate en objet du quotidien